domingo, 16 de junio de 2013

Santa Cecilia


Rafael recurre a la hagiografía para muchas de sus pinturas, siendo ésta una de las más importantes. El pintor recrea la escena de la boda de esta santa, patrona de la música. Durante la celebración de las nupcias, a las que había sido obligada, Santa Cecilia oyó voces celestiales e instrumentos que eran tocados, aunque sonaban como si estuvieran estropeados. La composición se divide en dos: la parte celestial (arriba) y la terrenal (abajo). En la segunda hay 5 personajes, destacando a Santa Cecilia en el medio, a la izquierda San Pablo y San Juan, a la derecha, San Agustín y la Magdalena, que mira al espectador. Obra fácilmente atribuible a Rafael por sus característicos rostros y la presencia del fuerte colorido.


Título: Santa Cecilia
Artista: Rafael Sanzio
Estilo: Renacimiento
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 238 x 150 ctms
Ubicación: Pinacoteca Nazionale (Bolonia)
Fecha: 1514-1515


jueves, 30 de mayo de 2013

La duda de Santo Tomás


Caravaggio, al igual que numerosos artistas de diversos estilos artísticos, decidió representar la escena de la duda de Santo Tomás. El santo apóstol no creía que Jesús había resucitado, alegando que necesitaba verlo para creer. Así pues, un día que estaban reunidos los apóstoles, Jesús se apareció y se acercó al apóstol para hacerle creer su resurrección. Para ello, le hizo meter los dedos en las heridas que le habrían provocado la Pasión, haciendo así creer con seguridad al apóstol.

El artista plasma el preciso momento en el que Tomás hunde su dedo en la herida del costado para dar por comprobada la resurrección de su maestro, a lo que reacciona con una cara de incredulidad que Caravaggio refleja de una manera muy realista, destacando las arrugas que se hacen en la frente de éste. Junto a él, otros dos discípulos asisten al ''increíble'' acto.

Respecto a Jesús, observamos que se le aparece a Tomás como si acabase de llegar del sepulcro (sudario, aspecto un tanto cadavérico, pecho hundido...)


Título: La duda de Santo Tomás
Artista: Caravaggio
Estilo: Naturalismo Tenebrista / Barroco
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 107 x 146 ctms
Ubicación: Neues Palais (Postdam, Alemania)
Fecha: 1601-1602

miércoles, 29 de mayo de 2013

Domine, Quo Vadis?


Sin duda alguna, Aníbal Carracci fue el pintor más destacado de esta familia a la que pertenecieron otros grandes artistas como Ludovico o Agostino Carracci. El maestro de Bolonia, que tenía una fuerte rivalidad con Caravaggio, quiso representar con esta pintura una de las escenas clave tras la muerte de Jesús. San Pedro, que huía de Roma por las persecuciones contra los cristianos, se encontró a Jesús y le hizo la siguiente pregunta. ''Domine, Quo Vadis?'' (Señor, ¿dónde vas?) Jesús le dijo que volvía para ser crucificado de nuevo ya que Pedro había abandonado su rebaño.

Observamos la maestría con la que Carracci plasma esa escena sobre la tabla, siendo de especial mención, el realismo con el que San Pedro expresa su sorpresa ante tal encuentro y la respuesta de Jesús, el cual señala hacia la ciudad eterna.

Título: Domine, Quo Vadis?
Artista: Annibale Carracci
Estilo: Barroco
Técnica: Óleo sobre tabla
Dimensiones: 77 x 56 ctms
Ubicación: The National Gallery (Londres)
Fecha: 1601

sábado, 25 de mayo de 2013

El amor victorioso


Con este lienzo, Caravaggio plasma una representación victoriosa del amor, evitando pintarlo sólo como terrenal. Como era habitual en el género barroco o tenebrista, el pintor elige a modelos de la calle, carentes de cualquier heroicidad o poder.

Algunos estudios que se han llevado a cabo por historiadores del arte e incluso biólogos han determinado que las alas de esta alegoría son de un gorrión, pájaro típicamente urbano.

El muchacho pisotea gran cantidad de objetos que hacen referencia, entre otros, a la música, las armas o los libros, perdiendo éstos su gran atractivo y valor ante la gran fuerza que tiene el amor.


Título: El amor victorioso
Artista: Carvaggio
Estilo: Barroco / Tenebrismo
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 156 x 113 ctms
Ubicación: Staatliche Museen (Berlín)
Fecha: 1601-1602

viernes, 24 de mayo de 2013

On the Balcony



Gracias a obras como esta del estilo ''Pop Art'' tenemos buenas fuentes para informarnos acerca del estilo de vida que se estaba desarrollando en aquellos años de auge en todo el mundo. Peter Blake presenta una escena en la que sitúa a 4 personas sobre un banco y a una muchacha, de la que solo vemos las piernas, subida en una mesa.

Podemos apreciar con esta pintura, el interés coleccionista del pintor, reflejado en la gran cantidad de objetos curiosos que incluye en ella. Entre estos objetos destacamos portadas de revistas famosas como ''Life'', una fotografía de Chuchill y la famillia real inglesa, libros, un paquete de cigarrillos, envases de comida...

Los rostros de los jóvenes son hieráticos y esquemáticos, alejados de cualquier estilizado o naturalismo. Una anécdota poco conocida es que en la parte izquierda de la pintura, sobre el joven con gafas, hay un pequeño cuadro de Manet que da nombre a este ''En el balcón''. Esa pintura del artista francés también retrata a la sociedad de consumo y masas que empezaba a expandirse en su época.


Título: On the Balcony
Artista: Peter Blake
Estilo: Pop Art
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 121 x 91 ctms
Ubicación: Tate Gallery (Londres)
Fecha: 1955-1957


miércoles, 22 de mayo de 2013

La Fuensanta


Esta pintura, propiedad de una colección particular, puede contemplarse hasta septiembre en la exposición que hay dedicada a Julio Romero de Torres en el Museo Carmen Thyssen (Málaga). En ella, el cordobés vuelve a tomar a María Teresa López como modelo para una de sus obras. Esta bella mujer mira directamente al espectador y descansa los brazos sobre una olla. Algunos historiadores, sostienen que dicha olla puede hacer referencia a la gran capacidad del vientre femenino para dar la vida.

Esta obra de Julio Romero de Torres es bastante conocida en España, puesto que su imagen fue utilizada en los billetes de 100 pesetas durante muchos años.

El cuadro fue subastado en Londres en 2007 y lo adquirió un particular por más de un millón de euros.



Exposición en el Museo Carmen Thyssen Málaga 


Título: La Fuensanta
Artista: Julio Romero de Torres
Estilo: Simbolismo andaluz
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 100 x 80 ctms
Ubicación: Colección particular
Fecha: 1929

viernes, 17 de mayo de 2013

Nacimiento de Venus




Una de las obras más famosas del Renacimiento italiano es esta magnífica pintura que hizo Botticelli a encargo de la familia Medici. Con este cuadro, Botticelli quiso representar una escena mitológica, en concreto la de el nacimiento de la diosa Venus. Cuenta la tradición que el dios Cronos  le cortó los genitales a Urano, cayendo éstos al mar. Una vez en el mar, emergió la diosa Venus sobre espuma. y fue empujada por el viento (Céfiro) hasta la isla de Citera.

En esta obra podemos apreciar detalles del nuevo Renacimiento que, todavía es primitivo. Se puede observar los primeros logros en la perspectiva, movimiento de los ropajes, idealización de las figuras...

Venus, la figura central, da mucho para hablar. Empezando por su rostro, uno de los más bellos de toda la historia del arte. De gran calidad es la enorme cabellera de la diosa que, al viento, es lo suficientemente larga como para cubrir sus zonas íntimas. Puede recordarnos a una escultura clásica por lo marcada que está y la rigidez que presenta.



Detalle del rostro de Venus



Título: Nacimiento de Venus
Artista: Sandro Botticelli
Estilo: Renacimiento
Técnica: Témpera sobre lienzo
Dimensiones: 172 x  278 ctms
Ubicación: Galería Uffizi (Florencia)
Fecha: Hacia 1485

Iglesia de San Clemente de Tahüll




Ubicada en el Valle de Bohí, provincia de Lérida, la iglesia de San Clemente de Tahüll es uno de los mejores exponentes de la arquitectura románica catalana. Consagrada en 1123, conserva la estructura original, ingluso la torre. Dicha torre posee 5 pisos  en los que hay gran cantidad de vanos, eso sí, su número varía según el piso del que se hable. De planta basilical, cuenta con tres naves que terminan en dos absidiolos y el gran ábside que alberga las famosas pinturas murales que han hecho que esta pequeña iglesia sea conocida en todo el mundo.

Ya hablamos sobre las pinturas en entradas anteriores. Éstas tuvieron que trasladarse con un minucioso cuidado hasta su ubicación actual, el Museo Nacional de Arte de Cataluña (Barcelona). No obstante, y para que no se perdiera la identidad original del edificio, se colocaron copias de los frescos en el ábside y absidiolos de la iglesia.

Esta iglesia fue declarada ''Bien de Interés Cultural'' en 1931 y, desde el año 2000, es Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO dentro del conjunto de ''Iglesias románicas catalanas del Valle del Bohí''.

Título: Iglesia de San Clemente de Tahüll
Arquitecto: Desconocido. La consagró el obispo Raymond
Esitlo: Románico catalán
Ubicación: Valle de Bohí (Lérida, Cataluña)
Fecha: Consagrada en 1123

Nave central de la iglesia y fresco

jueves, 16 de mayo de 2013

Santa Margarita


''Santa Margarita'' es una pintura de la serie de retratos idealizados que hizo Zurbarán sobre vírgenes y santos. Le otorga gran importancia en esta obra al color y en especial, a la ropa de la santa, que aparece representada con vestiduras típicas de un pastor, no de santo. A pesar de su orígen humilde, la santa aparece en una posición bastante altiva y llena de dignidad

A sus pies, un dragón que representa el pecado intenta perturbar sin éxito a Margarita. Famoso por sus pinturas sobre santos y vida religiosa, Zurbarán incluyó en esta serie otras obras como la de ''Santa Águeda'', ''San Hugo en el refectorio'', ''San Andrés''...


Título: Santa Margarita
Artista: Francisco de Zurbarán
Estilo: Barroco
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 163 x 105 ctms
Ubicación: The National Gallery (Londres)
Fecha: Entre 1531-1540

miércoles, 15 de mayo de 2013

Monasterio de San Jerónimo



El Monasterio de San Jerónimo es un conjunto arquitectónico renacentista que podemos encontrar en la ciudad de Granada. Reconocible fácilmente por su hermosa torre es uno de los monumentos de visita obligada en la ciudad. Ubicado en pleno campus universitario, se edificó originalmente justo al lado del hospital San Juan de Dios tras la reconquista de la ciudad, obras que fueron supervisadas por el arquitecto Diego de Siloé.

De gran belleza son los patios que hay en su interior, el claustro y enorme retablo manierista que hay en la iglesia. La torre que podemos ver en la actualidad no es coetánea al edificio, puesto que tras un saqueo y reconversión del monasterio en cuartel francés, fue destruida la anterior.

Este conjunto fue el primer monasterio que se hizo en la ciudad de Granada tras la caída del reino musulmán (2 de enero de 1492).

Me gustaría dar un pequeño homenaje al edificio con esta entrada, ya que tengo la suerte de verlo cada día por mi ventana.


Título: Monasterio de San Jerónimo
Arquitecto: El más destacado fue Diego de Siloé
Estilo: Renacentista
Ubicación: Granada
Fecha: 1504-1547




Aquiles entre las hijas de Licómedes


Expuesto en la pinacoteca madrileña, una de las que más obras alberga de Rubens, ''Aquiles entre las hijas de Licomedes'' es una pintura de temática mitológica centrada en la Guerra de Troya. Tetis, la madre de Aquiles, decide infiltrarlo en la corte de Licomedes, para lo que viste a su hijo de mujer. Sabiendo sus aliados griegos de la huida de su magnífico soldado, Ulises descubre el engaño haciendo una prueba a la mujer en la que tenía que elegir entre collares o espadas.

Una vez más, podemos reconocer la autoría del prolífico pintor  con dos meros detalles: la habitual voluptuosidad de los cuerpos y el abundante colorido que impregna sobre el lienzo. No obstante, Rubens no fue el único que trabajo en esta obra, ya que su amigo Van Dyck colaboró también en ella y, probablemente, también lo hiciera el taller del pintor.

Título: Aquiles entre las hijas de Licomedes
Artista: Peter Paul Rubens
Estilo: Barroco holandés
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 246 x 267 ctms
Ubicación: Museo del Prado
Fecha: 1618

martes, 14 de mayo de 2013

Le Bon Marché


''Le Bon Marché'' es uno de los edificios más curiosos y con más historia de París. Fue la sede del primer centro comercial de la ciudad y el primer edificio del mundo en ser diseñado específicamente para albergar tiendas en su interior. Usa la típica estructura arquitectónica de la época, combinando el hierro con el cristal.

Se inauguró en 1838 como una pequeña tienda familiar, y conforme iban pasando los años y acrecentándose su fama fueron construyéndose sucesivas ampliaciones por arquitectos como Eiffel, Coubertin o Boileau, hasta llegar al edificio que podemos observar hoy día.

Actualmente, sigue cumpliendo con su cometido, siendo uno de los mejores y más caros centros comerciales de París.

En palabras de Émilie Zola, ''Le Bon Marché'' es ''La cathédrale du commerce moderne''.


Título: Le Bon Marché. Nombre cambiado en 1989
Arquitectos: Varios. Destacan Eiffel y Coubertin
Estilo: Modernismo
Ubicación: París
Fecha: 1838


domingo, 12 de mayo de 2013

Retrato de Julio II


Con esta obra, el de Urbino hace un retrato fotográfico de Julio II, el papa guerrero y mecenas de Miguel Ángel y Rafael. A pesar de ser Pontífice, Rafael lo pinta con hábitos cardenalicios y con un rostro cansado. A pesar de la supuesta tranquilidad que pueda transmitir, Vasari decía que le producía gran terror mirar su rostro. Con este retrato, Rafael crea un modelo que serviría para la posteridad, influenciando sobre todo a los fabulosos retratos papales que también harán Velázquez, Piombo o David.

Título: Julio II
Artista: Rafael di Sanzio
Estilo: Renacimiento
Técnica:  Óleo sobre madera
Dimensiones: 108 x 80'7 ctms
Ubicación: The National Gallery (Londres)
Fecha: 1512

Dido construye Cartago


El maestro de la luz, Turner, nos muestra una escena en la que se representa la explicación al origen de la ciudad de Cartago. La princesa Dido tuvo que huir de su tierra ya que el hermano intentó asesinarla. Al llegar a África, fundó Cartago, donde se enamoró de Eneas, el héroe que sobrevivió a la guerra de Troya. Al abandonar Cartago, Dido se suicidó. Representa arquitecturas clásicas de la época en la que se centra la obra. Se dice que en aquella época, era frecuente el uso de Dido y Eneas, representando a Inglaterra y Francia respectivamente.

Título: Dido construye Cartago
Artista: William Turner
Estilo: Romanticismo
Técnica: Óleo sobre tela
Dimensiones: 155 x 232 ctms
Ubicación: The National Gallery (Londres)
Fecha: 1815

jueves, 9 de mayo de 2013

La Chiquita Piconera


''Chiquita Piconera'' es considerada como la obra cumbre del pintor cordobés Julio Romero de Torres. En ella, podemos contemplar una sensual figura femenina que, en una habitación humilde, remueve el picón (carbón) en un brasero.

Aunque el estilo de Romero de Torres sea el Simbolismo, esta obra podría considerarse expresionista, ya que el pintor muestra, además de la belleza de la joven, las duras condiciones en las que vive y el marginado trabajo al que se dedica. La mirada penetrante de la mujer, la forma en la que lleva puesta su ropa y la postura provocadora que adopta nos dicen que no dudaba en dedicarse a la prostitución para salir de las penurias en las que se encontraba.

La mujer que hizo de modelo para este cuadro, Teresa López,  vivió hasta hace poco. Falleció un 26 de mayo de 2003 a los 89 años.


Título: Chiquita Piconera
Artista: Julio Romero de Torres
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 100 x 80 ctms
Ubicación: Museo Julio Romero de Torres (Córdoba)
Fecha: 1930

Palazzo Vecchio


Ubicado en la florentina Piazza della Signoria, el Palacio Viejo se erige como uno de los conjuntos arquitectónicos más representativos del arte gótico italiano que, por desgracia, no es muy extenso. En un principio albergaba la sede de la gobernación municipal, pero tras la llegada de los Médici a Florencia, ésta se pasó al Palazzo Pitti.

La famosa torre, de unos 95 metros de altura, es la más alta de toda la ciudad. A sus pies, se extiende la Piazza della Signoria, en la que podemos encontrar copias de famosas esculturas que hay en museos de la ciudad como ''El David'' de Miguel Ángel.

En su interior podemos encontrar, entre otros, un museo, oficinas de administración o una gran sala de conferencias.



Título: Palazzio Vecchio
Arquitecto: Varios. Arnolfo di Cambio es el más importante
Estilo: Gótico
Altura: Hasta 95 metros
Ubicación: Florencia
Fecha: Sobre 1298-1314

miércoles, 8 de mayo de 2013

El bar del Folies-Bergère


''Bar del Folies-Bèrgere'' es otro de la serie de cuadros que Manet hizo sobre vida nocturna, fiestas o bares durante la década de 1870. Además, no fue el único pintor impresionista que se decantó por esta temática, puesto que otros como Degàs o Toulouse también pintaron ambientes nocturnos de bares parisinos.

En esta obra, Manet incluye también la naturaleza muerta, localizada en un primer plano frente a la camarera, que posa. Parece que en esta obra, la clientela del local no es de importancia para el pintor, representándolos  con pinceladas muy rápidas y difuminadas, haciendo imposible distinguir sus rostros, mientras que la camarera sí que está bien definida y se puede apreciar con claridad sus rasgos y vestimenta.

Título: El bar del Folies-Bèrgere
Artista: Edouard Manet
Estilo: Impresionismo
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 95 x 129 ctms
Ubicación: Courtauld Gallery (Londres)
Fecha: 1881-1882

Patio de los Arrayanes


En su visita a Granada y la Alhambra, el pintor valenciano nos dejó una serie de obras que no son muy conocidas pero sí de gran belleza. En esta ocasión, se detiene en el Patio de los Arrayanes para mostrarnos con su inconfudible pincelada una hermosa estampa del reflejo de la Torre de Comares en el agua. A pesar de que la imagen de la torre y el reflejo no sea entera, podemos apreciar la parte superior de la misma en el reflejo del agua. Expuesta hasta hace poco en una muestra sobre estas pinturas en la Alhambra, ''Patio de los Arrayanes'' es además de una magnífica obra de arte, un documento histórico en el que podemos ver el estado del patio hace 100 años que, casualmente, es prácticamente igual que ahora.

Título: Patio de los Arrayanes
Artista: Joaquín Sorolla
Estilo: Impresionismo
Técnica: Óleo sobre lienzo
Ubicación: Museo Sorolla (Madrid)
Fecha: 1917

Joven mendigo


Según los historiadores del arte, esta es la primera obra costumbrista de Murillo, pintor que empezaba a consolidarse en el panorama artístico en la fecha en la que realizó. Vemos la influencia de Zurbarán y Caravaggio en lo referente al naturalismo y tenebrismo que Murillo imprime sobre su pintura. Esta obra se añade a la extensa colección del pintor sevillano que representa temas costumbristas y que tienen niños de ambientes pobre y marginales como protagonistas.

Título: Niño espulgándose / Joven mendigo
Artista: Bartolomé Esteban Murillo
Estilo: Barroco
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 137 x 115 ctms
Ubicación: Musée du Louvre
Fecha: 1645-1650

Patio de los leones



Si alguien busca apreciar la perfección puede hacerlo, aunque parezca difícil. Basta con visitar el Patio de los Leones, dentro del complejo arquitectónico de la Alhambra. El que probablemente sea el conjunto más famoso del arte musulmán fue mandado construir en 1377 por Mohammed V con materiales traidos desde Almería. Originalmente, la famosa pirámide que observamos en la primera foto no existía, sino que había una pequeña cúpula que, tras la restauración de Torrés Balbás en el siglo XX fue sustituida por la pirámide que podemos contemplar en la actualidad. El signficados de los leones de la fuente, que habían sido restaurados hasta hace poco tiempo, no se conoce con exactitud hoy día. Se sostienen varias teorías (12 signos del zodiazo, 12 tribus de Israel, 12 toros de Salomón...)

A pesar del origen que tenga, la fuente es una clara muestra del enorme poder del Sultán, que pretendía mostrarlo a todo el mundo, considerando que el agua que manaba de la boca de los leones era plata líquida.

Este patio sirve de conexión central con algunas de las salas, que se encuentran en sus laterales, más famosas de la Alhambra. La de los Reyes, la de Dos Hermanas, la de los Mocárabes o la de los Abencerrajes.



Título: Patio de los Leones
Promotor: Mohammed V
Estilo: Nazarí
Número de columnas: 124
Ubicación: Alhambra (Granada)
Fecha: Inicio en 1377


Estampa con el aspecto original del Patio

martes, 7 de mayo de 2013

Retrato de Giuliano de Medici


Un retrato sencillo pero hermoso. Esta es una de las premisas del renacimiento italiano. Con esta obra, Botticelli deja inmortalizado a uno de los hombres más importantes de Italia en su época, Giuliano de Médici, hermano de Lorenzo, conocido como ''El Magnífico''. Aunque no haya excesivo detallismo en esta obra, podemos comprobar el origen noble de Giuliano por los ropajes que lleva. Este retrato no es el único que hizo Botticelli del Médici, se conservan otros 3 (Milán, Bérgamo y Washington D.C.)


Título: Retrato de Giuliano de Médici
Artista: Sandro Botticelli
Estilo: Renacimiento
Técnica: Temple sobre madera
Dimensiones: 54 x 36 ctms
Ubicación: Staatliche Museen (Berlín)
Fecha: Sobre 1478

San Luis Rey de Francia


Curiosamente, el pintor cretense evita representar a este rey santo con atributos de su santida, sino que se decanta por pintarlo vestido de militar, con su corona y dos pequeños cetros en los que podemos ver la flor de lis y en el otro, la típica mano que simboliza a los monarcas franceses.

Título: San Luis Rey de Francia
Artista: El Greco
Estilo: Renacimiento / Manierismo
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 120 x 96'5 ctms
Ubicación: Musée du Louvre
Fecha: Década de 1590

La adoración de los Reyes Magos



Uno de los muchos temas que Giotto representó en la célebre Capilla Scrovegni fue el de la adoración de los Reyes Magos al Niño Jesús. Con esta obra podemos apreciar los cambios que ya se están produciendo en la forma de pintar de los artistas del momentos (desarrollo de la perspectiva, profundidad, representación arquitectónica, estilización de las figuras, realismo de expresiones, posturas mejor conseguidas...)

Podemos observar diferencias palpables de esta pintura respecto al otro estilo que se extiende en Siena, el Gótico sienés, seguidor de la ''maniera greca'' y que recibe más influencias del arte bizantino o románico. En él no se aprecian los detalles de ''avance'' mencionados sobre el Gótico florentino.

Esta obra también ha sido objeto de estudio por físicos y astrónomos, puesto que en ella podemos ver una bola de fuego que sobrevuela el portal de Belén. Tradicionalmente se ha asociado con la estrella que guió a los magos, pero los estudios sostienen que se trata del Cometa Halley.

Título: La adoración de los Reyes Magos
Artista: Giotto di Bondone
Estilo: Gótico florentino o ''Trecento''
Técnica: Frescos
Ubicación: Capilla Scrovegni (Padua, Italia)
Fecha: Hacia 1305

Mona Lisa del Prado



Si hay una obra de arte que durante los últimos tiempos ha estado en el punto de mira de noticieros, historiadores, historiadores del arte... ''La Mona Lisa del Prado'' es esa obra. Ya conocida con anterioridad, se guardaba en los fondos de la pinacoteca madrileña, aunque se conservaba en mal estado y con un fondo negro. Las restauraciones y limpiezas que se llevaron a cabo entre 2011 y 2012 nos enseñaron el auténtico fondo y belleza de esta pintura, desconocidas hasta entonces, y que se acerca mucho a la obra original de Da Vinci, sobre todo por el ''sfumato'' y el típico paisaje de Leonardo. Estas características nos hacen pensar que la copia procede muy probablemente del taller de Leonardo. Es posible que no la pintaran sus manos, pero seguramente sí lo hizo algún discípulo suyo, siendo ''Salai'' el mejor colocado. Se cree que se pintó a la vez que su hermana del Louvre, aunque el estado de conservación de ésta es mucho mejor que la de la obra maestra de Leonardo. 

La ''marca'' Leonardo también podemos verla reflejada en otras partes de la obra como la leve sonrisa de la Gioconda, la postura de las manos, el cabello, los ropajes o el velo que le cubre la cabeza. En mi opinión, y aunque no se pueda comparar con la del Louvre, la mirada de la ''Mona Lisa del Prado'' es una de las miradas más hermosas de toda la historia del arte.

Título: La Gioconda o Mona Lisa del Prado
Artista: Desconocido. Taller de Leonardo (probablemente Salai)
Estilo: Renacimiento
Técnica: Óleo sobre tabla (madera de nogal)
Dimensiones: 76'3 x 57 ctms
Ubicación: Museo del Prado
Fecha: ¿1503-1516?

Capilla Real (Palacio de Versalles)



Por encargo de Luis XIV, esta capilla fue mandada construir, debido al gran fervor que empezó a despertar en el ''Rey Sol'' durante los últimos años de su vida. A pesar de ser a su gusto, Luis XIV solo pudo disfrutar de esta joya arquitectónica durante 5 años (1710-1715). Acudía cada día a misa con su familia y se instalaban en el palco real. Del conjunto, son de importancia los fabulosos frescos que adornan el techo, la galería de columnas y el altar de la capilla.

Título: Capilla Real (Versalles)
Promotor: Luis XIV
Arquitecto: Mansart
Estilo: Barroco
Ubicación: Palacio de Versalles (París)
Fecha: 1689-1710


Pavimentado de la Capilla Real

Catedral de Barcelona




Ubicada en el corazón de la Ciudad Condal, la Catedral de la Santa Cruz y Santa Eulalia se erige como uno de los templos más característicos del Gótico mediterráneo en nuestro país. Tal día como hoy pero de 1298 se colocaba la primera piedra de la nueva iglesia gótica sobre la antigua románica. Cuenta con 3 naves y un ábside final. Descatables de la fachada son las grandes agujas, sobre todo la central y la magnífica portada. En su interior, podemos encontrar los restos de los grandes condes que tuvo Barcelona, destacando sobre todo el del Conde Ramón de Berengüer I. Otra parte muy importante del conjunto es el hermoso claustro, en el que viven 13 ocas en honor de Santa Eulalia, mártir a los 13 años.



Título: Catedral de la Santa Cruz y Santa Eulalia
Arquitectos:  El primero fue Jaime Fabre
Estilo: Gótico / Gótico Mediterráneo
Altura torres: 53 metros
Ubicación: Barcelona
Fecha: 1298 - 1420(inauguración). No se concluyó todo el edificio hasta el siglo XIX.

Girola de la catedral




Fusilamientos del 3 de mayo


Si hay una obra de arte que muestre con tanta fuerza el miedo ante la inminente muerte es esta. ''Los Fusilamientos del 3 de mayo'' es una de las obras maestras de Goya. En ella, se representa el fusilamiento de españoles por franceses en la madrileña montaña de Príncipe Pío. Un foco de luz proveniente de una lámpara de los franceses ilumina la silueta central de un hombre vestido de blanco y amarillo que se muestra desafiante y temeroso ante la próxima muerte. A su lado, miradas de horror y caras tapadas por el espanto de la situación y la pena de ver a los compañeros muertos. Ubicado en el Museo del Prado, este cuadro sirvió de referencia para otra obra maestra, en este caso de Gisbert ''El Fusilamiento de Torrijos'' o la de ''El Fusilamiento del Emperador Maximiliano'' de Manet.


Título: Fusilamientos del 3 de mayo
Artista: Francisco de Goya y Lucientes
Estilo: Romanticismo
Estilo: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 268 x 347
Ubicación: Museo del Prado
Fecha: 1814

jueves, 2 de mayo de 2013

Batalla de Berlín

 Tanques rusos en Berlín

 Cadáver de soldado de la Wehrmacht frente a la puerta de Brandenburgo

Soldados soviéticos colocan su bandera en la cúpula del Reichstag

Soldados soviéticos disparando con la artillería

Katiushas rusas

Bombarderos sobrevuelan el Reichstag

La Wehrmacht defiende lo poco que les queda

Tanque ruso en Brandenburguer Tor

Con más de 300.000 muertos, la Batalla de Berlín supuso el fín del Tercer Reich Alemán casi en su totalidad. La colocación de la bandera roja en la cúpula del Reichstag hace caer al Imperio Nazi y poner fin a la 2ª Guerra Mundial en Europa.


El 2 de mayo


En esta pintura, Sorolla presenta la escena en la que los sublevados defienden el Parque de Artillería de Monteleón ante el asalto de la ''Grande Armée''. Podemos observar a un capitán español, Luis Daoíz, herido y apoyado sobre el cañón mientras insta a los franceses a que les ataquen. A su lado, otro capitán cae herido mortalmente. Al fondo observamos al pueblo de Madrid luchando contra los franceses. Lo más destacable de esta obra es que Sorolla, con pinceladas rápidas, crea un ambiente abierto, la calle, el auténtico campo de batalla de aquella jornada de sublevación.


Título: El 2 de mayo
Artista: Joaquín Sorolla
Estilo: Impresionismo
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 400 x 580 ctms
Ubicación: Museo del Prado
Fecha: 1884

Monumento a los caídos del 2 de mayo


Las Cortes Liberales propusieron en la construcción de un monumento a los que perecieron en la jornada del 2 de mayo de 1808, 14 años atrás. Al año siguiente empezaron a modelarse  y esculpir las diversas imágenes que lo adornan por diversos escultores, aunque el monumento no se inauguró hasta 1840 por diversas demoras. La urna que hay en su base contiene las cenizas de fallecidos el día de la sublevación popular. En 1985, pasó de honrar a los caídos del 2 de mayo a honrar a los caídos por España en todas épocas, a lo que se añadió la colocación de una llama permanente.


Título: Monumento a los caídos del 2 de mayo
Artista: Varios. Proyecto inicial de Isidro González Velázquez
Altura: 29 metros
Ubicación: Plaza de la Lealtad (Madrid)
Fecha: 1822-1840