sábado, 22 de marzo de 2014

Courbet, Van Gogh, Monet, Léger


Courbet, Van Gogh, Monet, Léger. Del Paisaje naturalista a las vanguardias en la Colección Carmen Thyssen es una exposición organizada por el Museo Carmen Thyssen de Málaga junto a la colaboración de la Obra Social ''la Caixa''. 

Fue inaugurada el 4 de octubre de 2013 y se prolongará hasta el 20 de abril de este año. Con más de 40 obras procedentes de la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza, se plantea un interesante recorrido por la evolución y renovación que supone el desarrollo de la pintura de paisajes durante los siglos XIX-XX tanto con autores españoles como otros del panorama internacional.

La muestra se divide en 5 apartados, seccionados según el avance cronológico y las nuevas tendencias artísticas de cada época.

La primera parte está dedicada a la pintura naturalista de paisajes, que tiene como momento de eclosión la segunda mitad del S.XIX, época en la que los autores abandonan los estudios y se van a pintar al exterior, au plein air. Serán los franceses quienes comenzarán con esta tendencia, y tienen en Courbet a uno de sus mejores representantes.


Dicho esto, no podía faltar una obra del pintor mencionado. En La Playa de Saint-Aubin-sur-Mer, de 1867, Courbet no desecha la figura humana que será omitida en la pintura de paisajes futura, pero sí que la coloca en un segundo plano y que se queda diminuta en comparación con los acantilados, la gran playa y el cielo.

En décadas posteriores, empezará a excluirse la colocación de personajes en las obras, centrándose única y exclusivamente en la representación del paisaje, signo de la libertad plena de los nuevos artistas. Como decía antes, la obra de estos pioneros como Courbet influyó en el resto de Europa, destacando la gran figura del maestro Vincent Van Gogh, del cual se expone una obra en la muestra.


Molino de agua en Gennep es una obra pintada por Van Gogh en 1884 que muestra una gran influencia, además de la anterior mencionada, de la pintura de paisajes y retratos holandeses que se hicieron durante el S.XVII con autores tan destacados como Goltzius, Van Ruysdael o Avercamp, entre otros.

Van Gogh traza una pincelada muy diferente, más precisa, a la que hará más adelante y crea una escena bastante fría, dominada por la presencia del agua y el imponente cielo, que enmarcan el molino, mientras que la figura de los campesinos aparece sin importancia en el lateral izquierdo del cuadro.



No podemos olvidar a los pintores españoles, bien representados en esta etapa con nombres tan notables como Carlos de Haes o Joaquím Vayreda, maestros en la ejecución de escenas paisajísticas típicas del norte de España.

Esta pintura, Paisaje con rebaño de ovejas, es una de las que más me ha impresionado de la exposición. Crea un ambiente nostálgico pero hermoso en el que lo que más llama la atención es el interminable rebaño de ovejas que se prolonga hacia el fondo con una larga línea de perspectiva que nos adentras en ese ambiente campestre propio de las frías zonas del norte español.

Dejamos el paisaje naturalista y nos adentramos en el Romanticismo y Simbolismo, que se valen de los paisajes en las que plasman sus ideales políticos, alegóricos o nostálgicos. Algunos de los pintores destacados aquí son Meifrén o Urgell, seguidores de corrientes como la Escuela de Olot o la de Sitges e influenciados por otros artistas como Ramón Casas o Rusiñol.

El Puerto de Barcelona (1889) de Meifrén es una de las obras que más gusta al público que visita la exposición. El pintor catalán fue un gran viajero y se influyó de numerosas corrientes y artistas a lo largo de Europa. Al igual que el resto de obras de esta sección, se presenta una escena crepuscular o casi nocturna marcada por una nube nostálgica y misteriosa, ingredientes clave del Romanticismo.

Junto a esta obra de la sección romántica y simbolista, me gustaría destacar también la única pintura de Caspar David Friedrich que se muestra en la exposición.

Friedrich fue el mayor exponente del movimiento romántico en la pintura alemana, cuna de este estilo en el que sobresale también la figura del músico Richard Wagner. El pintor alemán fue el pionero que revalorizó la importancia del paisaje nórdico, con el que creó numerosas obras, marcadas todas por un fuerte sentimiento nostálgico, tenebroso, sombrío y lúgubre.

Barco de pesca entre dos rocas en una playa del Báltico es una obra tardía en la producción de Caspar David Friedrich (1830-1835)

La escena presenta una oscuridad casi total, el crepúsculo va tocando fin y poco a poco llega la noche a una playa en la que casi no se distinguen los personajes por la oscuridad. Posiblemente, esta es la obra más lúgubre de la exposición.

Inicialmente, iba a ser un cuadro de altar en el que Friedrich utilizaría una nueva temática religiosa innovadora, pero finalmente se decantó por la pintura que observamos en la imagen.

Antes de dejar la escena nocturna, no podemos olvidar las dos magníficas obras que cierran esta sección.



''Canny Glasgow'' de Grimshaw (1887)
Fábrica a la luz de la luna de Luce (1889)

Conforme avanzamos en la exposición, llegamos, en mi opinión, a la sección más alegre y luminosa de toda la exposición ''La Mirada Impresionista''. Encontraremos obras destacadas de Meifrén, Sisley y Gauguin, casi todas ellas inmersas en una potente iluminación.

Me gustaría destacar de esta sala, dos obras sensacionales en las que merece la pena detenerse un rato.

La Cruz de Término es el nombre que recibe este óleo sobre lienzo de Santiago Rusiñol. Pintado entre 1891-1892, supone un magnífico ejercicio del juego de luces y sombras, dotando a la obra de una gran luminosidad.

Al fondo de la escena, observamos el pueblo de Sitges, bañado por el Mediterráneo.

Curioso es el detalle del perro, probablemente de Rusiñol, que observamos en la parte inferior derecha de la pintura, tumbado y disfrutando de la sombra proyectada por las rocas que hay en el camino. Por último, destacar la sombra de la cruz de término que da nombre a esta obra.

La otra gran pieza de esta sala que quiero comentar es Marea baja en Varengeville, óleo sobre lienzo del pintor impresionista Claude Monet realizado en 1882.

Nos trasladamos a Normandía, región de grandes playas y acantilados donde Monet encontrará inspiración para 36 obras. Aquí tenemos una de ellas, en la que crea un magnífico contraste de verticalidad entre los altos acantilados frente a la horizontalidad y calma del agua. Toda la escena está envuelta en una semi-penumbra de tranquilidad por numerosas nubes.

Posiblemente, esta sea la pieza más destacada de la exposición, de ahí que haya servido para promocionar la muestra como imagen principal.


Tras esta Mirada Impresionista, nos adentramos en nuevas corrientes que pretendían recuperar la serenidad y el orden clásico en el paisaje que había roto el impresionismo. Muchos de estos artistas tomaron como referencia la obra de Paul Cézanne. Mención especial al considerado padre del arte moderno, podemos disfrutar actualmente de una retrospectiva de su obra paisajística el Museo Thyssen de Madrid.

En la sección ''Clasicista'', encontraremos obras maestras de autores como Pierre Bonard, Sunyer i De Miró o el mismísimo Henri Matisse.


Mediterráneo (1910-1911) de Sunyer i De Miró es la obra que más me ha impresionado de la visión clasicista del paisaje. Integra a la figura humana con la animal en un ambiente idílico y espiritual, recuperando esta concepción del paisaje de siglos pasados.

Sunyer i De Miró utiliza colores puros y una composición simple y muy clara en la que vemos influencias de Cézanne.

Podría resumir esta obra con la frase: ''La alegría de vivir''.


La concepción vanguardista del paisaje pone punto y final a la exposición, buscando nuevas miradas que cambien el paisaje. El desarrollo urbano e industrial del S.XX provocará que numerosos artistas se centren en los paisajes urbanos.



Uno de estos artistas fue Celso Lagar, español afincado en Francia que se vio influenciado por la Escuela de París (Cubismo, Fauvismo y Expresionismo).

Aunque creara su propio estilo, notamos la influencia de estas escuelas.

Marsella, vista del puerto (1921) es la obra de este artista que podemos admirar en la exposición. Es una escena muy colorida y con una clara influencia post-cubista.




Tras ésta, y obras de otros artistas como Amat Pages, Clavé i San Martí o Ponç i Bonet, llegamos al final de la exposición, presidido por un célebre lienzo de Fernand Léger.

Se afincó en París, donde entró en contacto con los vanguardistas, derivando en la creación de un estilo muy personal que ha sido llamado ''dubismo'', similar al cubismo sintético. Incluso se le ha considerado un precursor del Pop Art.

Sus composiciones se asemejan con las del Constructivismo ruso o el Futurismo Italiano.

En esta obra, El Puente (1923), Léger combina la naturaleza, presente en las ondulaciones con las construcciones modernas, representadas en todas las figuras geométricas (pilares, arco del puente...)

En una conclusión muy breve, animaría al lector a que visite la exposición, que estará en el museo hasta el 20 de abril de este año. Conocerá como ha sido la evolución del paisaje en la pintura moderna por géneros muy diversos: posromanticismo, simbolismo, impresionismo, clasicismos y las vanguardias.









sábado, 1 de marzo de 2014

Humanistas Digitales

Humanistas Digitales


Antes de comenzar este post, me gustaría destacar que su realización ha estado motivada por una actividad del Curso de especialización en Historia del Arte Digital, organizado por la Universidad de Málaga para formar a esta nueva generación de humanistas digitales.

Os dejo aquí el enlace del curso para que podáis echarle un vistazo todos los interesados. Dicho esto, vayamos con el tema.


http://historiadelartemalaga.es/cehad/




¿Cuáles son los retos de los  humanistas actuales y de los que se forman para serlo?

Creo que con esta pregunta podemos hacer un breve resumen de lo que plantea Juan Luis Suárez en su obra El Humanista Digital.

Sin duda, el desarrollo tecnológico y digital ha transformado nuestro mundo durante los últimos años, obligando a ‘’alfabetizarnos’’ digitalmente para no descolgarnos de la nueva sociedad digital.

Es aquí donde entra el campo del estudio de las humanidades, al que ya se le acusa de ser poco creativo o innovador, actitud propia de un mundo eminentemente científico y utilitario que le busca carácter práctico a cualquier actividad. Además, los humanistas actuales creen que no tienen legitimidad o autoridad para introducirse en estos campos tecnológicos y digitales por desconocimiento de los mismos.

Una de las propuestas planteadas en El Humanista Digital, y que me ha parecido crucial, es la digitalización de todo tipo de documentos de carácter humanístico (textos, imágenes, datos, archivos…)

Esta será una de las bases primordiales en el camino de la ‘’alfabetización digital’’ del humanista, carente en muchos de ellos y que es clave para la recuperación del reconocimiento que tenían antaño. Además, la ‘’alfabetización digital’’ abre al humanista nuevas posibilidades y puertas a la investigación.

Por otro lado, determinados sectores sociales vaticinan una muerte  del estudio humanístico. Esta percepción es errónea y la historia la rebate, tomando como modelo los ejemplos de humanistas que cito a continuación:

Mirando hacia atrás, veremos como los grandes humanistas que vivieron en el Renacimiento supieron afrontar los problemas que les surgieron y cómo lograron una gran aceptación que les llevó a ocupar los escalones más altos del mundo intelectual. Humanistas como Erasmo, Leonardo, Maquiavelo, Antonio de Nebrija o Tomás Moro eran grandes conocedores de numerosos campos intelectuales y pretendían con ello aumentar los límites del conocimiento e intentar mejorar su sociedad.

El humanista actual ha de aprender de ellos y dominar numerosos campos, destacando el tecnológico y digital. No podemos permitirnos continuar con los planes de estudio e investigación de las Universidades de hace medio siglo. Es primordial estar al servicio de la población, con la que habrá que comunicarse por medio de los sistemas tradicionales junto al digital.

Este es uno de los puntos clave del humanismo actual à Mantener la esencia del humanismo tradicional (crítica y estudio de textos) junto a la difusión y enseñanza de la información por medio de nuevos sistemas digitales que potencien lo dinámico y el desarrollo de nuevas habilidades técnicas.

Analizando y resumiendo obtenemos varias conclusiones del texto de Juan Luis Suárez.

-Es fundamental la digitalización de textos y documentos humanísticos.

-La formación del humanista en las nuevas tecnologías digitales es necesaria.

-Hay que innovar y crear nuevas líneas de investigación y enseñanza con la ayuda de dichas tecnologías.


Finalmente, nos podemos preguntar cómo será esta primera generación de humanistas digitales, grupo que será vital para la supervivencia del estudio humanístico y que tendrá que cooperar y estar al servicio de la sociedad en los años venideros gracias a su esfuerzo y dedicación.





jueves, 13 de febrero de 2014

Santa Inés

Santa Inés es una mártir romana nacida entre finales del S.III o inicios del S.IV d.C., en la época de las Persecuciones de Diocleciano.

Provenía de una familia romana noble y recibió una formación académica bastante buena, ayudada por su niñera, Santa Emerenciana. En una ocasión, el hijo del prefecto de Roma la vio y se enamoró de ella, por lo que intentó hacerla su esposa. Ella, que se había ''casado'' con Cristo anteriormente, se negó, siendo los Desposorios Místicos una de las escenas más representadas por los artistas sobre la vida de la santa.

Desposorios de Santa Inés. Francisco Pachecho (1624)

Tras ser rechazado, el hijo del prefecto enfermó, por lo que Inés fue obligada a realizar sacrificios a la diosa Vesta, pero esta se negó. Ante su negativa, fue llevada desnuda a un prostíbulo, pero en el camino le crecía el cabello y un ángel la tapaba con un gran lienzo. Una vez llegados al prostíbulo, el hijo del prefecto, ya recuperado, se abalanzó sobre ella y un rayo lo fulminó.

Simpronio, el prefecto, no daba crédito de lo sucedido y le pidió a Inés que resucitase a su hijo, lo que consiguió por medio de oraciones.

Milagro de Santa Inés. José Ribera (1641)

Tras el episodio del prostíbulo, un general romano llamado Asperio la condenó a morir en la hoguera, pero las llamas se alejaban de ella y prendían a los verdugos. Los soldados, que no creían lo sucedido, decidieron decapitarla, acabando así con su vida.

 Muerte de Santa Inés. Vicente Macip (1540)

La iconografía de esta santa es bastante fácil de reconocer, siendo el cordero su atributo más conocido. Hace referencia al origen del nombre de Inés (Agnes en Latín) que significa cordero. Además, se relaciona también con su pureza, mansedumbre y la aparición que tuvieron los padres de ésta a los 8 días de morir (ella se aparece con un cordero en el brazo). Además del cordero, otros atributos son la palma del martirio, la espada por su decapitación, las joyas (en la aparición llevaba bastantes) y las llamas por el primer intento de matarla.

Su onomástica se celebra el 21 de enero. Es patrona de la pureza y de las adolescentes, a las que ella protege.

Santa Inés. Alonso Cano (1638)

domingo, 16 de junio de 2013

Santa Cecilia


Rafael recurre a la hagiografía para muchas de sus pinturas, siendo ésta una de las más importantes. El pintor recrea la escena de la boda de esta santa, patrona de la música. Durante la celebración de las nupcias, a las que había sido obligada, Santa Cecilia oyó voces celestiales e instrumentos que eran tocados, aunque sonaban como si estuvieran estropeados. La composición se divide en dos: la parte celestial (arriba) y la terrenal (abajo). En la segunda hay 5 personajes, destacando a Santa Cecilia en el medio, a la izquierda San Pablo y San Juan, a la derecha, San Agustín y la Magdalena, que mira al espectador. Obra fácilmente atribuible a Rafael por sus característicos rostros y la presencia del fuerte colorido.


Título: Santa Cecilia
Artista: Rafael Sanzio
Estilo: Renacimiento
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 238 x 150 ctms
Ubicación: Pinacoteca Nazionale (Bolonia)
Fecha: 1514-1515


jueves, 30 de mayo de 2013

La duda de Santo Tomás


Caravaggio, al igual que numerosos artistas de diversos estilos artísticos, decidió representar la escena de la duda de Santo Tomás. El santo apóstol no creía que Jesús había resucitado, alegando que necesitaba verlo para creer. Así pues, un día que estaban reunidos los apóstoles, Jesús se apareció y se acercó al apóstol para hacerle creer su resurrección. Para ello, le hizo meter los dedos en las heridas que le habrían provocado la Pasión, haciendo así creer con seguridad al apóstol.

El artista plasma el preciso momento en el que Tomás hunde su dedo en la herida del costado para dar por comprobada la resurrección de su maestro, a lo que reacciona con una cara de incredulidad que Caravaggio refleja de una manera muy realista, destacando las arrugas que se hacen en la frente de éste. Junto a él, otros dos discípulos asisten al ''increíble'' acto.

Respecto a Jesús, observamos que se le aparece a Tomás como si acabase de llegar del sepulcro (sudario, aspecto un tanto cadavérico, pecho hundido...)


Título: La duda de Santo Tomás
Artista: Caravaggio
Estilo: Naturalismo Tenebrista / Barroco
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 107 x 146 ctms
Ubicación: Neues Palais (Postdam, Alemania)
Fecha: 1601-1602

miércoles, 29 de mayo de 2013

Domine, Quo Vadis?


Sin duda alguna, Aníbal Carracci fue el pintor más destacado de esta familia a la que pertenecieron otros grandes artistas como Ludovico o Agostino Carracci. El maestro de Bolonia, que tenía una fuerte rivalidad con Caravaggio, quiso representar con esta pintura una de las escenas clave tras la muerte de Jesús. San Pedro, que huía de Roma por las persecuciones contra los cristianos, se encontró a Jesús y le hizo la siguiente pregunta. ''Domine, Quo Vadis?'' (Señor, ¿dónde vas?) Jesús le dijo que volvía para ser crucificado de nuevo ya que Pedro había abandonado su rebaño.

Observamos la maestría con la que Carracci plasma esa escena sobre la tabla, siendo de especial mención, el realismo con el que San Pedro expresa su sorpresa ante tal encuentro y la respuesta de Jesús, el cual señala hacia la ciudad eterna.

Título: Domine, Quo Vadis?
Artista: Annibale Carracci
Estilo: Barroco
Técnica: Óleo sobre tabla
Dimensiones: 77 x 56 ctms
Ubicación: The National Gallery (Londres)
Fecha: 1601

sábado, 25 de mayo de 2013

El amor victorioso


Con este lienzo, Caravaggio plasma una representación victoriosa del amor, evitando pintarlo sólo como terrenal. Como era habitual en el género barroco o tenebrista, el pintor elige a modelos de la calle, carentes de cualquier heroicidad o poder.

Algunos estudios que se han llevado a cabo por historiadores del arte e incluso biólogos han determinado que las alas de esta alegoría son de un gorrión, pájaro típicamente urbano.

El muchacho pisotea gran cantidad de objetos que hacen referencia, entre otros, a la música, las armas o los libros, perdiendo éstos su gran atractivo y valor ante la gran fuerza que tiene el amor.


Título: El amor victorioso
Artista: Carvaggio
Estilo: Barroco / Tenebrismo
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 156 x 113 ctms
Ubicación: Staatliche Museen (Berlín)
Fecha: 1601-1602

viernes, 24 de mayo de 2013

On the Balcony



Gracias a obras como esta del estilo ''Pop Art'' tenemos buenas fuentes para informarnos acerca del estilo de vida que se estaba desarrollando en aquellos años de auge en todo el mundo. Peter Blake presenta una escena en la que sitúa a 4 personas sobre un banco y a una muchacha, de la que solo vemos las piernas, subida en una mesa.

Podemos apreciar con esta pintura, el interés coleccionista del pintor, reflejado en la gran cantidad de objetos curiosos que incluye en ella. Entre estos objetos destacamos portadas de revistas famosas como ''Life'', una fotografía de Chuchill y la famillia real inglesa, libros, un paquete de cigarrillos, envases de comida...

Los rostros de los jóvenes son hieráticos y esquemáticos, alejados de cualquier estilizado o naturalismo. Una anécdota poco conocida es que en la parte izquierda de la pintura, sobre el joven con gafas, hay un pequeño cuadro de Manet que da nombre a este ''En el balcón''. Esa pintura del artista francés también retrata a la sociedad de consumo y masas que empezaba a expandirse en su época.


Título: On the Balcony
Artista: Peter Blake
Estilo: Pop Art
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 121 x 91 ctms
Ubicación: Tate Gallery (Londres)
Fecha: 1955-1957


miércoles, 22 de mayo de 2013

La Fuensanta


Esta pintura, propiedad de una colección particular, puede contemplarse hasta septiembre en la exposición que hay dedicada a Julio Romero de Torres en el Museo Carmen Thyssen (Málaga). En ella, el cordobés vuelve a tomar a María Teresa López como modelo para una de sus obras. Esta bella mujer mira directamente al espectador y descansa los brazos sobre una olla. Algunos historiadores, sostienen que dicha olla puede hacer referencia a la gran capacidad del vientre femenino para dar la vida.

Esta obra de Julio Romero de Torres es bastante conocida en España, puesto que su imagen fue utilizada en los billetes de 100 pesetas durante muchos años.

El cuadro fue subastado en Londres en 2007 y lo adquirió un particular por más de un millón de euros.



Exposición en el Museo Carmen Thyssen Málaga 


Título: La Fuensanta
Artista: Julio Romero de Torres
Estilo: Simbolismo andaluz
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 100 x 80 ctms
Ubicación: Colección particular
Fecha: 1929

viernes, 17 de mayo de 2013

Nacimiento de Venus




Una de las obras más famosas del Renacimiento italiano es esta magnífica pintura que hizo Botticelli a encargo de la familia Medici. Con este cuadro, Botticelli quiso representar una escena mitológica, en concreto la de el nacimiento de la diosa Venus. Cuenta la tradición que el dios Cronos  le cortó los genitales a Urano, cayendo éstos al mar. Una vez en el mar, emergió la diosa Venus sobre espuma. y fue empujada por el viento (Céfiro) hasta la isla de Citera.

En esta obra podemos apreciar detalles del nuevo Renacimiento que, todavía es primitivo. Se puede observar los primeros logros en la perspectiva, movimiento de los ropajes, idealización de las figuras...

Venus, la figura central, da mucho para hablar. Empezando por su rostro, uno de los más bellos de toda la historia del arte. De gran calidad es la enorme cabellera de la diosa que, al viento, es lo suficientemente larga como para cubrir sus zonas íntimas. Puede recordarnos a una escultura clásica por lo marcada que está y la rigidez que presenta.



Detalle del rostro de Venus



Título: Nacimiento de Venus
Artista: Sandro Botticelli
Estilo: Renacimiento
Técnica: Témpera sobre lienzo
Dimensiones: 172 x  278 ctms
Ubicación: Galería Uffizi (Florencia)
Fecha: Hacia 1485

Iglesia de San Clemente de Tahüll




Ubicada en el Valle de Bohí, provincia de Lérida, la iglesia de San Clemente de Tahüll es uno de los mejores exponentes de la arquitectura románica catalana. Consagrada en 1123, conserva la estructura original, ingluso la torre. Dicha torre posee 5 pisos  en los que hay gran cantidad de vanos, eso sí, su número varía según el piso del que se hable. De planta basilical, cuenta con tres naves que terminan en dos absidiolos y el gran ábside que alberga las famosas pinturas murales que han hecho que esta pequeña iglesia sea conocida en todo el mundo.

Ya hablamos sobre las pinturas en entradas anteriores. Éstas tuvieron que trasladarse con un minucioso cuidado hasta su ubicación actual, el Museo Nacional de Arte de Cataluña (Barcelona). No obstante, y para que no se perdiera la identidad original del edificio, se colocaron copias de los frescos en el ábside y absidiolos de la iglesia.

Esta iglesia fue declarada ''Bien de Interés Cultural'' en 1931 y, desde el año 2000, es Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO dentro del conjunto de ''Iglesias románicas catalanas del Valle del Bohí''.

Título: Iglesia de San Clemente de Tahüll
Arquitecto: Desconocido. La consagró el obispo Raymond
Esitlo: Románico catalán
Ubicación: Valle de Bohí (Lérida, Cataluña)
Fecha: Consagrada en 1123

Nave central de la iglesia y fresco

jueves, 16 de mayo de 2013

Santa Margarita


''Santa Margarita'' es una pintura de la serie de retratos idealizados que hizo Zurbarán sobre vírgenes y santos. Le otorga gran importancia en esta obra al color y en especial, a la ropa de la santa, que aparece representada con vestiduras típicas de un pastor, no de santo. A pesar de su orígen humilde, la santa aparece en una posición bastante altiva y llena de dignidad

A sus pies, un dragón que representa el pecado intenta perturbar sin éxito a Margarita. Famoso por sus pinturas sobre santos y vida religiosa, Zurbarán incluyó en esta serie otras obras como la de ''Santa Águeda'', ''San Hugo en el refectorio'', ''San Andrés''...


Título: Santa Margarita
Artista: Francisco de Zurbarán
Estilo: Barroco
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 163 x 105 ctms
Ubicación: The National Gallery (Londres)
Fecha: Entre 1531-1540

miércoles, 15 de mayo de 2013

Monasterio de San Jerónimo



El Monasterio de San Jerónimo es un conjunto arquitectónico renacentista que podemos encontrar en la ciudad de Granada. Reconocible fácilmente por su hermosa torre es uno de los monumentos de visita obligada en la ciudad. Ubicado en pleno campus universitario, se edificó originalmente justo al lado del hospital San Juan de Dios tras la reconquista de la ciudad, obras que fueron supervisadas por el arquitecto Diego de Siloé.

De gran belleza son los patios que hay en su interior, el claustro y enorme retablo manierista que hay en la iglesia. La torre que podemos ver en la actualidad no es coetánea al edificio, puesto que tras un saqueo y reconversión del monasterio en cuartel francés, fue destruida la anterior.

Este conjunto fue el primer monasterio que se hizo en la ciudad de Granada tras la caída del reino musulmán (2 de enero de 1492).

Me gustaría dar un pequeño homenaje al edificio con esta entrada, ya que tengo la suerte de verlo cada día por mi ventana.


Título: Monasterio de San Jerónimo
Arquitecto: El más destacado fue Diego de Siloé
Estilo: Renacentista
Ubicación: Granada
Fecha: 1504-1547




Aquiles entre las hijas de Licómedes


Expuesto en la pinacoteca madrileña, una de las que más obras alberga de Rubens, ''Aquiles entre las hijas de Licomedes'' es una pintura de temática mitológica centrada en la Guerra de Troya. Tetis, la madre de Aquiles, decide infiltrarlo en la corte de Licomedes, para lo que viste a su hijo de mujer. Sabiendo sus aliados griegos de la huida de su magnífico soldado, Ulises descubre el engaño haciendo una prueba a la mujer en la que tenía que elegir entre collares o espadas.

Una vez más, podemos reconocer la autoría del prolífico pintor  con dos meros detalles: la habitual voluptuosidad de los cuerpos y el abundante colorido que impregna sobre el lienzo. No obstante, Rubens no fue el único que trabajo en esta obra, ya que su amigo Van Dyck colaboró también en ella y, probablemente, también lo hiciera el taller del pintor.

Título: Aquiles entre las hijas de Licomedes
Artista: Peter Paul Rubens
Estilo: Barroco holandés
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 246 x 267 ctms
Ubicación: Museo del Prado
Fecha: 1618

martes, 14 de mayo de 2013

Le Bon Marché


''Le Bon Marché'' es uno de los edificios más curiosos y con más historia de París. Fue la sede del primer centro comercial de la ciudad y el primer edificio del mundo en ser diseñado específicamente para albergar tiendas en su interior. Usa la típica estructura arquitectónica de la época, combinando el hierro con el cristal.

Se inauguró en 1838 como una pequeña tienda familiar, y conforme iban pasando los años y acrecentándose su fama fueron construyéndose sucesivas ampliaciones por arquitectos como Eiffel, Coubertin o Boileau, hasta llegar al edificio que podemos observar hoy día.

Actualmente, sigue cumpliendo con su cometido, siendo uno de los mejores y más caros centros comerciales de París.

En palabras de Émilie Zola, ''Le Bon Marché'' es ''La cathédrale du commerce moderne''.


Título: Le Bon Marché. Nombre cambiado en 1989
Arquitectos: Varios. Destacan Eiffel y Coubertin
Estilo: Modernismo
Ubicación: París
Fecha: 1838